• Marcel Juliana. Surfeit

    Marcel Juliana (Barcelona, 1991) es la figura más entrañable, ilustrada y soñadora de la extraordinaria generación de artistas a la que pertenece: hornada nacida en los años noventa, formada durante la crisis, pero hiperactiva y multipropositiva, bautizada por Bernat Daviu con el nombre de  Garrofistas (Enric Farrés Duran, Joana Roda, Aldo Urbano, Jan Monclús, Francesc Ruiz Abad…). Marcel Rubio es uno de los miembros del grupo con una mirada artística más personal: por su inocencia, por su exultante imaginario y, también por su sensibilidad incisiva, a la par que onírica y nostálgica, que plasma a través de la modesta disciplina del dibujo. P

    Para la exposición en la FAB, Marcel Rubio ha decidido expresar a través del dibujo un tema de nueva invención: el Surfeit. Surfeit es un verbo anglosajón que lo podríamos traducir como “Exceso”. “lo que excede de lo que es necesario”, así lo define el diccionario de Oxford.” Pero también es un exceso en el vicio: deriva del francés sur fait (sobre hecho, overdosed): una sobredosis de estímulos sensoriales, de engrapamiento intenso a la vida. En Surfeit, Marcel Rubio intenta captar el recuerdo de una experiencia sensorial extrema, vivida por el artista como una etapa vital iniciática, que le entregó al placer, la sexualidad, la festividad, pero también a la ética y la moral

    A Surfeit es la vida la fuente primera de donde raja la obsesión, que  Marcel evoca a través de las metáforas -entre románticas i surrealistas- de los animales salvajes y de la ruina. Para Marcel la ruina es un reducto de vitalidad, un cobijo de lo que un día le despertó al mundo. Trata de la ruina como si de un pergamino deshecho del Satiricón de Petroni se tratara, con sus orgías y banquetes sensuales, remotos y desgastados. La protagonitzada por hombres, que amenudo aparecen metamorfoseados oníricamente en bestias y animales. La reflexión de Juliana sobre la ruina tiene orígen en las lecturas de Walter Benjamin. A parte de su interés por la metáfora del Angelus Novus -el ángel exultante de vida que sobrevuela un mundo en ruinas-, también le interesa del autor alemán de la filosofía que se desprende de los Paisajes, reivindicando una forma de arte a través de la mirada activa y nostálgica del recorrido urbano.

    Marcel Juliana es artista visual. Graduado en Belles Artes en la Universitad de Barcelona, fue residente en el Taller BDN entre el 2013 y 2014. Durante el 2016 y 2017 ja expuesto en  Passatge Studio, La Puntual de Sant Cugat y en l’Espai Angram de la revista Mirall (comisariado: Jordi Garrido).

    La exposición Surfeit está comisariada por Albert Mercadé y cuenta con la colaboración del escritor  Victor Balcells.

  • Contrapunto. Arranz-Bravo

    CONTRAPUNT Arranz bravo WEB

    Colabora EASD Serra i Abella de L’Hospitalet

    No existe rastro ni acción en la figura de Arranz-Bravo que no nos aparezca, reluciente, como un fervoroso contrapunto. ¿Y qué forma de arte avanzado no lo es? Contrapunto, sobre todo, ante su tiempo artístico. Nos referimos a la extraordinaria celebración cromática que significó la fábrica Tipel en contraste con el gris del franquismo. O su figuración efusiva reaccionando contra la abstracción informalista dominante durante los sesenta en Barcelona. Contrapunto vital, también, cuando, en su punto álgido de popularidad, y en pleno fervor ciudadano a las puertas de la muerte de Franco, nuestro artista se traslada a una masía en Vespella de Gaià (Tarragona), donde permanecerá durante más de una década. Contrapunto, también, durante los ochenta: cuando ajeno al boom pictórico que caracterizó aquellos años, se refugió en la población marinera y taciturna de Cadaqués. Y, finalmente, contrapunto artístico y vital a partir de los noventa: el movimiento conceptual marca el tono artístico de una década antipictórica, contra la que nuestro artista reacciona acentuando su interés y dedicación por una disciplina que se ha ido convirtiendo en su refugio privilegiado, plataforma vital para reflexionar sobre cuestiones profundas de la existencia.

    Arranz-Bravo entiende su obra actual como una especie de contrapunto musical: este sonido breve, vibrante e intenso que contrasta con toda la música ambiental de fondo de la partitura, pero no para negarla, sinó para afirmarla con más rotundidad. Un golpe cromático sentido que nos haga vibrar, como seres humanos. Es como una roca agreste en medio de la uniformidad de un jardín japonés: una nota grave inesperada en una fuga ascendente de Bach; o como una pincelada espontánea y precisa sobre un fondo pálido en uno de los últimos cuadros de Joan Miró. Momentos sutiles de intensidad creativa, que Arranz-Bravo ha trabajado metafóricamente para la exposición, en un proyecto de conjunto que integra la pintura, la escultura, el dibujo y la obre sobre papel.

    La exposición cuenta con la colaboración de l’Escola d’Art i Disseny Serra i Abella de L’Hospitalet, que durante el curso de la exposición presentaráun proyecto de fotografóa y diseño a partir de la idea de Contrapunt.

  • Cossos infralleus. Aïda Andrés Rodrigálvarez.

    Colaboran: Mònica Planas, Alejandro Palacín y Frederic Montornés
    Exposició 30 novembre 2017 _ 11 de febrer 2018

    Aïda Andrés Rodrigálvarez (Barcelona, 1985) es la última ganadora del premio de Artes Visuales Arranz-Bravo 2016. El jurado, que estuvo formado por los artistas Bernat Daviu, Eduard Arranz-Bravo, Miquel Gelabert, i el crítico Albert Mercadé, premiaron a la artista por la coherencia, contundencia y la unidad de sus últimos proyectos, centrados en el trabajo de la captación de la luz a través del grabado, el papel o la cerámica, en un medio tan agreste como la Antártida. En efecto, Aïda pasó cerca de un mes viviendo en el continente más remoto y helado para llevar a cabo una indagación artística: la captación de la luz en su estado más desesperado y sublime. La exposición en la Fundación Arranz-Bravo se presenta como la continuación de aquel proyecto antártico. Aïda amplia y profundiza en aquellos problemas artísticos fundamentales que surgieron: nuevas series de papel policromado con los matices lumínicos de la tierra y la atmósfera; grandes esculturas de papel, moldeadores de los espacios esenciales y abstractos que divisó; nuevas series de grabado, a partir de los accidentes y sensaciones que Aïda vivió en la Antártida.

    Los artistas Mònica Planas y Alejandro Palacín, compañeros de estudio de Aïda en el taller de L‘Hospitalet, hablan así de su obra en el texto Mirar la luz tocar las cosas : Aïda hace visible la luz. Utiliza diferentes medios y estrategias para relacionarse con ella y registrar como entra en contacto con los cuerpos con tal de materializarse. Captura la atmósfera de los lugares y de momentos concretos a partir de dar cuerpo a todos esos elementos intangibles y pasajeros que conforman entornos. No la produce ni la reproduce, la registra. (…) Para percibir este tipo de incisiones infraleves es necesario estar ahí y convivir. Es por eso que para Aïda, su casa es una localización esencial para el desarrollo de sus prácticas. Es allí donde, inmersa en el día a día, va registrando estas modificaciones que nota como una actividad más de su cotidianidad. Como si coprodujese todas sus obras con el tiempo, su parte consiste básicamente en contemplar: contemplar como una forma de afección delante del que mira y siente como una forma de conocer.”

    Fundació Arranz Bravo: Avinguda Tarradellas, 44. L’Hospitalet de Llobregat.
    Centre Cultural Tecla Sala (M: L1, La Torrassa)
    Martes a sábado: 17h -20h. Domingos: 11 – 14 h

  • Marc Badia/Jan Monclús. Let me die alone but please film it

    Let me die alone but please film it , es el proyecto expositivo que Marc Badia (Barcelona, 1984) y Jan Monclús (Lleida, 1987) presentan, de manera conjunta y en diálogo cruzado, en la Fundación Arranz Bravo dentro del programa Gallery Weekend de Barcelona 2017.

    En este sentido, Let me die alone but please film it explora la similitudes entre el binomio éxito-fracaso y el concepto de absurdo o “hacer a pesar de”. Una combinación que permite entender y aproximarnos a ciertos intereses disfuncionales que comparten los dos artistas como son el error, el fallo, la broma o el reto absurdo. Es decir, una puesta en crisis que prioriza la anticipación dramática, la búsqueda de otro tipo de anhelo esperanzador, o la persecución de fantasías irracionales, por encima de aspectos más categóricos como el razonamiento o el peso convencional de nuestra sociedad, dando lugar a momentos únicos que se liberan y se desarrollan desde una posición descentrada, imprevista y desasosegada.

    De este modo, la propuesta parte del primer fail grabado por una cámara de video que se remonta al año 1912. Se trata de la filmación en que el austriaco Franz Reichelt (1878-1912) quiso probar su diseño de paracaídas saltando desde lo alto de la Torre Eiffel. En las imágenes de la película podemos ver a Reichelt en el momento previo al salto y como este cae en picado produciendo su muerte instantánea. Una acción que ha pasado a la historia, más como un símbolo de estupidez que como un sacrificio al progreso tecnológico, y recordado como una acción desproporcionada.

    Let me die alone but please film it , título compuesto por una frase sencilla, de bajo relieve, a medio camino entre lo marginal y lo heroico, plantea una dialéctica centrada en la pintura expandida mediante la confección de un relato escrito a cuatro manos. Una reflexión que toma protagonismo desde un discurso meta-pictórico surgido a partir de una encrucijada de roles: de una banda la figura del loser, entendido como un ente disfuncional que prioriza el ideal improductivo a la normalización instalada, de la otra, el entusiasta, que opera desde un carácter más propio del deseo y la exaltación. Dos posicionamientos reunidos en un ejercicio de intensidad máxima, bajo multitud de micro-historias que mezclan realidad y ficción, así como otras reflexiones y preocupaciones sobre las expectativas e incertidumbres del artista joven.

    Jordi Antas

  • Francesc Ruiz Abad. I didn’t know I was collecting

    Francesc Ruiz Abad. I didn’t know I was collecting

    Recorrido con audioguía: Con intervenciones locutadas de ’Eduard Arranz-Bravo, Anna Dot, Oscar Holloway, Jan Monsalvatje i Eulàlia Rovira con Inditexts.

    Preguntar en la taquilla de la fundación

    ’I didn’t know I was collecting’ es la primera exposición individual de carácter institucional de Francesc Ruiz Abad, ganador del premio de artes visuales  Arranz-Bravo 2015. La comisaria de la muestra, Anna Dot, propone un recorrido expositivo formado por una sucesión aleatoria de pinturas, dibujos, libretas, mapas, cajas, documentos de viaje o audiovisuales vinculados con el itinerario artístico y personal del artista. La exposición quiere remarcar el carácter “procesual” de la obra de un artista que ha realizado la mayor parte de experiencias pictóricas en itinerancia ( Europa. Asia y América). Su obra es, así, una “pintura en tránsito”. tal como lo define en el catálogo de la muestra, Albert Mercadé director artístico de la FAB; una pintura abierta a las estrategias propias del arte conceptual -el viaje, la exploración, el trabajo textual y la investigación-, sin renunciar a los principios estéticos de la pintura contemporánea: la ronía, la extrañeza y la intensidad plástica.

    Francesc Ruiz es un destacado exponente de la nueva escena pictórica barcelonesa; una generación nacida durante la década de los noventa que tiene la ambición de devolver la pintura hacia la centralidad del arte contemporáneo. Sus referentes pictóricos se encuentran principalmente en la pintura europea contemporánea: Sigmar Polke, Oliver Kossack, Fiona Rae, Jakub Julian Ziolkowski o la escuela de Leipzig (Tilo Baumgärtel, Jonathan Meese…etc), este,.a última ciudad donde Francesc Ruiz ha residido. Una obra irónica, psicodélica y vital, que enlaza con la obra de pinturas resistentes de nuestro propio contexto, como Pere Llobera o  Rasmus Nilausen.

  • Carlos Valverde. Stronghold

    Stronghold Carlos Valverde Black TEAM

    Stronghold (fortaleza) és el título del último proyecto de Carlos Valverde (Cáceres, 1987), realizado en coproducción entre la Fundació Arranz Bravo, el espacio de arte Homesession del Poble-sec i el colegio Sant Jaume de la Fep de L’Hospitalet. Valverde ha elaborado tres grandes fortalezas en tres ubicaciones diferentes, que el espectador está invitado a descubrir. Para participar en el proyecto el artista invita a los visitantes de la fundación Arranz-Bravo a inscribirse en el quipo de la fundación y seguir sus intruscciones:  black.stronghold@carlos-valverde.com

    La obra de Valverde no es para ser contemplada. Es para ser vivida y experimentada. El espectador no se situa delante de la obra, sino que penetra en su interior y acaba formando parte. Stronghold necessitará de la ayuda del público para ser contemplado, descubriendo los caminos ocultos y las experiencias que se esconden detrás del proyecto. Una metáfora que plantea el arte como una estructura de defensa delante de la vida. Cada una de las decisiones y acciones que el espectador desarolle en elinterior de la fortaleza hará avanzar o retroceder en su objetivo: encontrar aquello que se esconde al final del camino.

    El punto de inicio de Stronghold serà el próximo dia 10 de juny a les 11h, acabando la activitad con una comida a las 14h en la Fundació Arranz Bravo: el banquete Stronghold comisariado por el colectivo Forever Blowing Bubbles (Bernat Daviu i Joana Roda).

    Fechas: 10 de junio– 24 de septiembre de 2016 (hasta el 17 de junio Sant Jaume de la Fep i Homesession)
    Inauguración: Viernes 10 de junio a las 14h (Fundació Arranz Bravo)

    Fundació Arranz Bravo:
    Martes a sábdo: 17h -20h. Domingos: 11 – 14 h
    Avinguda Tarradellas, 44. L’Hospitalet de Llobregat. Centre Cultural Tecla Sala (M: L1, La Torrassa)

    Homession:
    visita con cita previa hasta el 17 de junio: info@homesession.org
    Calle de la creu dels Molers, 15. Barcelona. M: L3,PobleSec

    Horarios Sant Jaume de la Fep:
    De dv 10 junio a viernes 17 de junio. de 8 a 13:30 y de 15h a 20h (excepto viernes hasta las 18h)
    Calle Santiago Apòstol 36-40, L’Hospitalet. M: L1, Torrassa/Santa Eulàlia

  • Arranz-Talo. Los extremeños

    Los Extremeños es un proyecto artístico realizado por Eduard Arranz-Bravo (Barcelona, ​​1942) y Felipe Talo (Barcelona, ​​1979). Pinturas, vídeos, telas, cartas, esculturas, cajas, dibujos y objetos cotidianos manipulados son el resultado de un proceso intenso de transferencia artística entre ambos creadores, en una propuesta que pretende recuperar, desde una mirada contemporánea, el espíritu de colaboración creativa vivido por el propio Arranz-Bravo durante los años setenta y ochenta, con artistas como Rafael Bartolozzi, Jaime Camino, Bigas Luna, Ferran Adrià o Richard Hamilton.

    Los Extremeños es una exposición que recoge un camino de ida y vuelta. Durante los últimos diez meses Arranz-Bravo ha ido recibiendo un conjunto de cajas con objetos en su interior. Son las llamadas cajas psíquicas de Felipe Talo, las cuales incorporan objetos de densa carga anímica recogidos por las calles de Berlín e intervenidos por el artista. Los mismos objetos han sido posteriormente transformados por Arranz-Bravo en su estudio de Vallvidrera. Se trata, como afirma Felipe Talo, de una operación de ‘canibalismo espiritual’, donde se procede, emulando a antiguos rituales animistas, a una transferencia psíquica donde el yo se reivindica como otro. Esta concepto de la alteridad del yo, se materializa en un conjunto artístico híbrido donde los bordes del yo se difuminan, creando un espejismo de identidad. ¿Dónde está el verdadero Arranz-Bravo? ¿Dónde está el verdadero Talo? En Los Extremeños la verdad se vuelve mentira, y la mentira verdad.

    Formado en la universidad de Barcelona, ​​con estudios de Bellas Artes y filosofía, desde 2003 Felipe Talo ha residido y expuesto en México, Madrid (galería LaAlegria) , Shanghai y Berlin (Bananaprojects). Desde el 2009 que viene desarrollando el proyecto Metempsicosis. Durante todos estos años ha mantenido una correspondencia ininterrumpida con Arranz – Bravo. La exposición Los extremeños es la plasmación de esta deriva.

    La exposición se complementa con la edición de un catálogo y un texto crítico de Sonia Fernández Pan.

  • Contra Arranz-Bravo

    Una exposición colectiva, con obras de Gerard Ballester, Lluc Baños y Natàlia Giné, comisariada por Aina Mercader.. La Fundación Arranz-Bravo de L’Hospitalet de Llobregat acoge, del 1 de octubre al 6 de diciembre, la exposición colectiva Contra Arranz-Bravo.

    Los trabajos de los tres artistas, que transmuten entre la escultura y la instalación, interpelan el espacio en el sentido más amplio  (Georges Perec, 1936-1982) del término y parten de o se enfrentan directa o indirectamente con el trabajo y la gramática de Eduard Arranz-Bravo. La comisaria ha invitado a los jóvenes creadores a seleccionar obras de Arranz-Bravo, entre las cuales hay dibujos de juventud, pinturas y aguafuertes de varias épocas. De este modo, se hacen suyo el trabajo de Arranz-Bravo y se presenta una nueva lectura del fondo del artista.

    Contra Arranz-Bravo ocupa todo el espacio expositivo de la Fundación (normalmente la sala está dividida entre, a los primeros pasillos, la exposición temporal de propuestas emergentes y, al fondo, la temporal de Arranz-Bravo) con obras de los cuatro artistas. Las propuestas de Ballester, Baños y Giné entran en contacto con las piezas del maestro de una manera más o menos explícita. A veces se refieren directamente, otros hacen un guiño, o son utilizadas como base para crear y dar forma a los propios proyectos. La mayor parte del material expuesto es obra site specific, pensada a propósito por esta muestra y tomando como punto de partida las formas, colores y temas recurrentes de Arranz-Bravo. Decimos que la realidad se explica a partir del tiempo y el espacio, pero, descubrimos con Perec que el espacio en si mismo es una realidad. Todo pasa en el espacio (doméstico, cotidiano, expositivo) y todo se puede acabar reduciendo en espacio. A Contra Arranz-Bravo, los tres artistas lo viven, lo ocupan, lo interrogan, lo investigan y lo trabajan con total libertad y solvencia.

    En el espacio exterior: ya esté en el patio de la Fundación (Ballester saca fuera de la sala de exhibición los módulos recreados con madera que hacen de pared y separan la sala) o a la calle de L’Hospitalet de Llobregat (Giné está interesada por la medida de las cosas. Por ejemplo, se esfuerza a saber qué distancia hay del tierra a la parte más alto del Puente de la Libertad de Arranz-Bravo –situado a la Rambla de Marina– tomando su altura como medida de referencia y trayéndola, a manera de gran vara vertical, al patio de la Fundación).

    En el espacio expositivo: Ballester propone Desplazar la entrada, una gran cortina de plástico, mucho antes de llegar a la sala; y se adapta a la arquitectura del espacio con el proyecto en cartón de Piezas para… (esquina, zócalo). Además, dificulta la visibilidad de algunas pinturas o bastante recorridos, a partir de la instalación de unos plafones translúcids.

    En el espacio doméstico: Baños proyecta su vídeo-performance Interacciones, que propone un juego de desdoblamiento en el tiempo y en el espacio, donde hace varias acciones e interactúa con objetos cotidianos o materiales encontrados. El día de la inauguración realizará la performance en vivo que quedará grabada y se proyectará en *loop a la exposición. Además, incluye Senyalètica, su propio lenguaje de símbolos con el cual describe la realidad y alguna de las obras de Arranz-Bravo expuestas.

    Contra Arranz-Bravo se inaugura el 1 de octubre, a las 20h, coincidiendo con el Barcelona *Gallery *Weekend (1-4 octubre) que se celebra en varios centros de arte de la capital catalana y de L’Hospitalet de Llobregat.

  • David Lorente_IT

    Contra Arranz-bRAVO

    David Lorente (Barcelona, 1989), alumno de último curso de la facultad de Bellas artes de Barcelona, fue escogido como el artista ganador del Premio Artes Visuales Arranz Bravo 2014, concurso que participaron más de sesenta artistas. El jurado valoró el atrevimiento y contundencia de su obra, así como la sólida personalidad que se despliega a través de un lenguaje híbrido, insólito y delirante. Su trabajo, a pesar de que la escultura tiene un peso preponderante, se afirma a través de diferentes formatos, técnicas y disciplinas: la imagen digital, la fotografía, el vídeo. Un imaginario explosivo y ecléctico que toma como punto de partida la realidad ya reproducida: objetos encontrados, imágenes de revistas, vídeos ya grabados… Lorente realiza un ‘cocktail’ de nuestro mundo hipervisual, y hace un destilado con un profundo sentido crítico. David Lorente es un artista comprometido, que quiere hacer reflexionar sobre el vacío de muchas vidas vividas en el marco del mundo de la sociedad de consumo. De aquí el título de la muestra, IT: It por la cosització’ de la sociedad, cada vez más materializada y capitalizada; cada vez más consumible, y por lo tanto comestible. Una sociedad comestible porque cualquier cosa es susceptible de ser rebajada para ofrecerse al mercado global de la sociedad de consumo.
    La exposición ha contado con el trabajo de tres comisarios: David Martrat, Montse Liz y Mar Esteve, los cuales son alumnos de la asignatura de Crítica de arte de la profesora Pilar Bonet (universidad de Barcelona). Mercedes al convenio que la fundación ha establecido con la Universitat de Barcelona, esta es la primera exposición comisariada por los tres jóvenes críticos, cumpliendo así uno de las misiones fundacionales de la FAB: dar primeras oportunidades de profesionalización a jóvenes artistas y críticos de arte. Los comisarios han reforzado conceptualmente la exposición, preguntándose si la obra de David Lorente no quiere ir más allá de la materialidad para investigar disparos fundamental de la identidad del ser humano. Se preguntan los comisarios: ¿Qué se esconde bajo la piel de cada individuo? ¿Es la identidad una verdad incuestionable? Existe la posibilidad de simular a través de la arte nuevas realidades, aunque esto cuestione muchos de los principios identitarios de nuestra realidad?’
    Estas son algunas de las preguntas que el artista formula a través de los proyectos que configuran esta exposición, encabezada por el concepto “IT”, fonéticamente muy próximo al “ID” identitario, el cual en todo momento se confronta a la materialidad del objeto. Las reflexiones de los comisarios se materialización en diferentes textos publicados al catálogo de la muestra, con referencias teóricas a Walter Benjamin o Jean Baudrillard.
    La exposición permanecerá abierta hasta el domingo 27 de septiembre

  • Arranz-Bravo. Magnus

    Realizada en colaboración con el Centre Cultural de Terrassa, la Fundación Arranz-Bravo de L’Hospitalet y el Centre Cultural Tecla Sala, la exposición ‘Arranz-Bravo. Magnus’ presenta una selección de las 60 obras en gran formato más exitosas del últimos diez años de trayectoria del pintor catalán Eduard Arranz-Bravo (Barcelona, 1941). La última década de trabajo de Arranz-Bravo se caracteriza por la asunción de nuevos retos artísticos, entre los cuales se encuentra la pintura sobre tela en gran formato: trípticos, polítiptics, grandes formatos, que acogen la simbología clásica del pintor barcelonés, sometida ahora a una nueva revisión.

    Las manos, las cruces, los cuerpos humanos fragmentados, formas insertas dentro de las frescas y eléctricas superficies de color que caracterizan su albañil cromática. Buena parte de la obra presentada ha sido realizada en su nuevo taller de pintura de Vallvidrera, diseñado por el arquitecto Jordi Garcés, y merecedor de uno de los premios FAD del 2014. Un periodo fértil y ambicioso, el cual, por la repercusión internacional del artista (en China, Estados Unidos y Rusia), ha tenido muy poca visibilidad a casa nuestra. La calidad y la envergadura del proyecto hacen de esta muestra una exposición insólita y de excepción

  • Fernando M. Romero. Partículas Elementales

    ‘Partículas Elementales’ és la primera exposició individual de Fernando M. Romero (Córdoba, 1978) a Catalunya. Comissariada per Albert Mercadé, i amb la col•laboració del crític d’art Jaume Vidal Oliveras, l’artista cordobès explora alguns dels components artístics fonamentals de la seva obra, centrada en una recerca sobre les relacions visuals i conceptuals que l’artista identifica en els camps de la percepció icònica i la ciència. Colisions, explosions, trajectòries, interferències són fenòmens que es troben al nucli tant de la creació artística com de la recerca científica, desembocant així a models artístics que ens permetin interpretar la realitat que ens envolta. Romero vol caçar els matisos icònics i expressius que apareixen en la micro-realitat que s’amaga rera els objectes, així com en la fragmentació del temps, a través d’un llenguatge artístic híbrid que abraça la fotografia, la pintura, el vídeo i la instal.lació.

    Resident entre Berlín i Córdoba, Fernando M. Romero és un dels artistes més prometedors de la plàstica espanyola contemporània, una realitat avalada per la seva trajectòria, que inclou la participació a fires com JustMad (Madrid), SWAB (Barcelona), Estampa (Madrid) o ArteSantander (Santander); diferents exposicions individuals, a Berlín (Egbert Baqué Contemporary Art), Estocolm (Candylandgallery), València (Galería Paz y Comedias), Elx (IV Beca Pilar Montalbán), Sevilla (AJG Gallery), Córdoba (Combo) o Santander (Galería Siboney); i importants reconeixements com la Beca Artes Nobles 2009, la IV Beca de Pintura Pilar Montalbán 2012 o la Beca de Creación de la Fundación Botí en 2001.

  • Arranz-Bravo. Magnus

    Realizada en colaboración con el Centre Cultural de Terrassa, la Fundación Arranz-Bravo de L’Hospitalet y el Centre Cultural Tecla Sala, la exposición ‘*Arranz-Bravo. Magnus’ presenta una selección de las 60 obras en gran formato más exitosas del últimos diez años de trayectoria del pintor catalán Eduard Arranz-Bravo (Barcelona, 1941). La última década de trabajo de Arranz-Bravo se caracteriza por la asunción de nuevos retos artísticos, entre los cuales se encuentra la pintura sobre tela en gran formato: trípticos, polítiptics, grandes formatos, que acogen la simbología clásica del pintor barcelonés, sometida ahora a una nueva revisión.

    Las manos, las cruces, los cuerpos humanos fragmentados, formas insertas dentro de las frescas y eléctricas superficies de color que caracterizan su albañil cromática. Buena parte de la obra presentada ha sido realizada en su nuevo taller de pintura de Vallvidrera, diseñado por el arquitecto Jordi Garcés, y merecedor de uno de los premios FAD del 2014. Un periodo fértil y ambicioso, el cual, por la repercusión internacional del artista (en China, Estados Unidos y Rusia), ha tenido muy poca visibilidad a casa nuestra. La calidad y la envergadura del proyecto hacen de esta muestra una exposición insólita y de excepción.

  • Fernando M. Romero. Partículas Elementales

    ‘Partículas Elementales’ és la primera exposició individual de Fernando M. Romero (Córdoba, 1978) a Catalunya. Comissariada per Albert Mercadé, i amb la col•laboració del crític d’art Jaume Vidal Oliveras, l’artista cordobès explora alguns dels components artístics fonamentals de la seva obra, centrada en una recerca sobre les relacions visuals i conceptuals que l’artista identifica en els camps de la percepció icònica i la ciència. Colisions, explosions, trajectòries, interferències són fenòmens que es troben al nucli tant de la creació artística com de la recerca científica, desembocant així a models artístics que ens permetin interpretar la realitat que ens envolta. Romero vol caçar els matisos icònics i expressius que apareixen en la micro-realitat que s’amaga rera els objectes, així com en la fragmentació del temps, a través d’un llenguatge artístic híbrid que abraça la fotografia, la pintura, el vídeo i la instal.lació.

    Resident entre Berlín i Córdoba, Fernando M. Romero és un dels artistes més prometedors de la plàstica espanyola contemporània, una realitat avalada per la seva trajectòria, que inclou la participació a fires com JustMad (Madrid), SWAB (Barcelona), Estampa (Madrid) o ArteSantander (Santander); diferents exposicions individuals, a Berlín (Egbert Baqué Contemporary Art), Estocolm (Candylandgallery), València (Galería Paz y Comedias), Elx (IV Beca Pilar Montalbán), Sevilla (AJG Gallery), Córdoba (Combo) o Santander (Galería Siboney); i importants reconeixements com la Beca Artes Nobles 2009, la IV Beca de Pintura Pilar Montalbán 2012 o la Beca de Creación de la Fundación Botí en 2001.

  • Escenarios de realidades (re)ficcionadas

    reficcionada realitats

    Mapas de ficción de la ciudad de L’Hospitalet, listas de ejecutados en el Campo de la Bota y flyers vendiendo ingeniosos servicios a la sociedad. Comisariado por Daniel Gasol, os presentamos el nuevo proyecto de la FAB.

    Los artistas Trujillo, Martí i Montenegro proponen una nueva tentativa de diálogo artístico con la realidad cotidiana: inventan nuevas formas para habitarla ,pero ahora concentrándose en la transformación de la vivencia real narrativa de ficción.

    Las tres propuestas artísticas se encaran desde tres perspectivas bien imbricadas dentro de las prácticas en arte contemporáneo: la cartografía, la ironía y la memoria histórica.

    del 06/11/2014 al 01/02/2015

  • FAB. 5 años

    Exposición dedicada a celebrar los 5 años de existencia de la Fundación Arranz-Bravo de L’Hospitalet. Para la ocasión 10 artistas intervienen a la fundación con obras inéditas de su producción contemporánea: Jordi Abelló, Sergi Mesa, Miquel Gelabert, Martí Cormand, Diego Tampanelli, Laura Ariño, German Consetti, Albert Arribas, Xavier Gonzàlez Arnau y Arranz-Bravo.

  • Sergi Mesa. Cosmografías

    Ganador de la primera edición del Premio de Artes Visuales Arranz-Bravo, Sergi Mesa (Manresa, 1987) expuso en la fundación el proyecto pictórico Cosmografías, un
    conjunto de obras que fusionan la luminosidad cromática con la estética del videojuego e Internet. Formado en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona y miembro del
    grupo PictoBarcelona, Mesa fue seleccionado para la Bienal de Arte Contemporáneo Catalán 2014, fue finalista del premio Arte<30 de la Sala Parés y expone individualmente en el ciclo «Proyecciones» de Àlex Mitrani. Como complemento de la exposición, Mesa pintó un mural de más de treinta metros en la Escuela Charlie Rivel de L’Hospitalet en colaboración con todos los alumnos del centro. El mural y la exposición se inauguraron el mismo día con una rúa festiva por las calles del barrio de La Torrassa.

  • Puntos de Fuga

    En un proyecto comisariado por las críticas de arte Irina Mutt y Sandra Martínez, la exposición forma parte del ciclo «Disidencias» de la FAB: artistas y comisarias
    emergentes, recién salidos unos y otras de la universidad —en este caso de la UB—, son convocados para trabajar en común en un proyecto expositivo inédito. En Puntos de  fuga, Musach, Owens e Ibàñez reaccionan ante un contexto hostil con su arte y cuestionan las estructuras culpables de la actual crisis sistémica a través de acciones con material de desecho, la naturaleza o el propio cuerpo humano, clamando por un retorno a la esencialidad vital y al espíritu crítico. El catálogo de la exposición se presentó con la crítica de arte Pilar Bonet y diferentes colectivos de artistas para discutir el lema de fondo: Fricciones. Artistas, colectivos, instituciones en la era de la autogestión. El proyecto se cerró con el finissage Picnic Nocturno en el patio de la fundación durante la Noche de los Museos.

  • Laura Ariño: morfologias

    En un proyecto comisariado por Bernat Puigdollers, la joven escultora Laura Ariño (Barcelona, 1991) presentó la primera exposición individual de su trayectoria. La muestra sirvió de estímulo a la autora para desarrollar nuevas obras de gran formato que le han permitido dar una nueva dimensión a su obra. Los materiales empleados en la muestra fueron tan diversos como escogidos: tela, cemento, alabastro, materiales sintéticos, cera… Materiales necesarios para dar los matices adecuados a la expresión de la angustia humana ante la impotencia comunicativa con el entorno, la desesperación, la incomprensión, la muerte y el paso del tiempo. El tiempo que todo lo cambia, la metamorfosis. La bailarina Laura Calvet ofreció en la inauguración de la exposición una danza experimental inspirada en la idea de la metamorfosis.

  • Arranz-Bravo. Escultura

    Primera exposición retrospectiva dedicada a la vertiente escultórica de Eduard Arranz-Bravo que muestra algunas de las esculturas más relevantes realizadas desde los años setenta, momento en el que empezó a trabajar la disciplina gracias al mecenazgo de la Sala Gaspar de Barcelona. Durante los últimos cuarenta años, Arranz-Bravo ha empleado diferentes tipos de técnicas y materiales (piedra, bronce, mármol, materiales pobres…). También ha sido autor de diferentes monumentos públicos como L’Acollidora o El Pont de la Llibertat en la ciudad de L’Hospitalet de Llobregat. El catálogo de la exposición documenta completamente las más de doscientas esculturas realizadas a lo largo de su trayectoria artística.

  • Situart

    En un proyecto comisariado por Marta S. Natera y Gerorgina Parrilla, la exposición Situart muestra las obras de alumnos de diferentes especialidades de la Escuela de Arte y Diseño de L’Hospitalet Serra i Abella, resultado de las propuestas para el proyecto de colaboración entre la escuela y la fundación. Creación, identidad y territorio son los ejes transversales de la obra del pintor Eduard Arranz-Bravo y también los conceptos que desde la escuela se han interpretado y trabajado libremente a partir de la tutela de los maestros de la escuela y del servicio educativo de la fundación.

  • Fábrica Freixas. Un colectivo de artistas en L’Hospitalet

    La fundación presentó la primera gran exposición colectiva dedicada a los artistas residentes de la fábrica Freixas, uno de los espacios de producción de arte contemporáneo más activos de la ciudad. En la fábrica residen escultores como German Consetti y Marcos Romero, ceramistas agrupados en el colectivo La Nave; Francesca d’Alfonso, Sophie Thomson, Raúl Hernández y Paola Masi, y diseñadores agrupados en Mermeladestudio (Miguel Ángel Juárez, Laura Blasco, Álex Estévez) o el artista residente Quico Estivill. La obra de los artistas se expuso en la sede de la FAB y los talleres de la Freixas y el día de la inauguración ambas exposiciones se
    unieron simbólicamente con un desfile de las artes a ritmo de batucada ofrecido por el colectivo Batubaroa Batucada.

  • Xavier González Arnau. La alegría del salto

    La alegría del salto fue el proyecto presentado por Xavier Gonzàlez Arnau (Terrassa, 1980), pintor egarense que desde el año 2004 ha residido entre Berlín y Croacia. Gonzàlez considera la pintura como una frontera desde donde expresar las verdades más profundas del espíritu y utiliza diferentes disciplinas humanísticas —la música,
    el pensamiento, la poesía— para conectar y enriquecer la experiencia creativa. Con referencias a la filosofía de Nietzsche, Reyes Mate o los textos sagrados del Antiguo Testamento, en La alegría del salto Gonzàlez quiso transmitir una idea de esperanza en un mundo sobreexpuesto al materialismo. Durante la inauguración, Gonzàlez realizó una pintura sobre una plancha de metacrilato retroiluminada al ritmo de la música de DJ Fra, residente en la sala Apolo de Barcelona.

  • Realidades inestables

    En una exposición comisariada por la crítica de arte Sílvia Muñoz d’Imbert, la fundación presentó un proyecto desarrollado por tres alumnas de la Facultad de Bellas Artes de Barcelona. Ferron, Galdeano y García, seleccionadas de la exposición Sin título’11 de la Facultad de Bellas Artes de Barcelona, entrelazan naturalmente diferentes disciplinas visuales: grabado, dibujo, pintura, vídeo y fotografía. Las tres artistas entienden el arte como un medio desde donde dar expresión a una realidad inestable, de rabia contenida, muy relacionada con los tiempos actuales de protesta, injusticia, desencaje o desencanto utópico.

  • Arranz-Bravo y los libros

    La ilustración de libros de artista ha sido una de las facetas artísticas predilectas de Eduard Arranz-Bravo (Barcelona, 1941). A lo largo de su trayectoria ha creado más de
    setenta y es uno de los artistas catalanes con mayor producción en este género. En litografía, aguafuerte o dibujo, Arranz-Bravo ha elaborado los libros de artista en colaboración con novelistas (Baltasar Porcel, Camilo José Cela, Paco Umbral, George Orwell, Miquel de Palol), poetas (Francesc Parcerisas, J. M. Sobrer, Santos Torroella), pintores (Joan Ponç, Bartolozzi) y fotógrafos (Xavier Guardans). La exposición quiso recuperar monográficamente esta vertiente desconocida y sorprendente de su arte y revisar asimismo las diferentes ediciones que ha seguido realizando hasta nuestros días.

  • Josep Maria de Sucre en la memoria

    La FAB rindió homenaje a la figura del escritor y pintor Josep Maria de Sucre (Vila de Gràcia, Barcelona 1886 – Barcelona, 1969), a partir de cinco propuestas visuales realizadas por dos generaciones diferentes de creadores: por una parte, Antoni Llena y Arranz-Bravo y, por otra, artistas emergentes que han expuesto en la fundación (Miquel Gelabert, Martí Cormand y Diego Tampanelli). Sus obras dialogan con diez dibujos al pastel de De Sucre, todos ellos inéditos, procedentes de las colecciones de amigos del escritor como el pintor y orfebre Jaume Mercadé y el propio Eduard Arranz-Bravo. El catálogo que se editó con motivo de la muestra incluía como prólogo un estudio actualizado de la figura de De Sucre a cargo del historiador y crítico de arte Àlex Mitrani.

  • German Consetti

    El artista argentino German Consetti (Río Cuarto, 1975) llegó a mediados de la década pasada a Cataluña persiguiendo el sueño de ser escultor y seguir los pasos de su gran referente: Julio González. Desde hace unos años vive y trabaja en el edificio Freixas de L’Hospitalet de Llobregat, junto a otros artistas destacados como Miquel Aparici o el colectivo del grupo La Nave. En su exposición en la fundación, titulada La memoria de la escultura, Consetti hacía una lectura expresiva y espacial de la escultura creando grandes cráneos, torsos, carros y barcas, soldando metal y cortando madera, a la manera de los grandes expresionistas primitivos.

  • Albert Arribas

    La propuesta pictórica de Albert Arribas (Blanes, 1981) mezcla la explosión del color y la luz con la intensidad de su trazo, de marcado corte expresionista. Su formación artística se consolida a través del recorrido por la Facultad de Bellas Artes de Barcelona y la Escuela Massana hasta llegar a diferentes exposiciones en importantes centros de arte y galerías del país. Las pinturas presentadas en la fundación, realizadas ex profeso en el curso del año 2011, son una auténtica explosión de color y luz y, al mismo tiempo, una lección de valentía pictórica. Arribas es un virtuoso en el arte de combinar colores estridentes con una pincelada expresiva, muy hábil con el gesto, en obras de gran formato.

  • La Risa de la Hiena

    Paralelamente a su exposición en la FAB, Jordi Abelló ilustró el libro La risa de la hiena, un texto escrito por Rafael Argullol en uno de los capítulos del ensayo Visión desde el fondo del mar (Acantilado, 2010). Con edición de Albert Mercadé y diseño de Júlia Polbach, los autores analizan los diferentes matices de la risa —cínica, vanidosa, sarcástica, ambiciosa— que han advertido tanto en el rostro de dictadores como de políticos internacionales a lo largo de la historia moderna y de la actualidad. Argullol lo analiza desplegando su vasto saber humanista y Abelló desde el conocimiento profundo del retrato moderno y contemporáneo. Un libro irónico, lúcido y enojado, muy acorde con el actual estado de desencanto con la clase política.

  • Jordi Abelló: Trilogía del crimen

    El proyecto Trilogía del crimen de Jordi Abelló (Reus, 1971) consistió en la exposición de tres series sobre papel con el formato de storyboard –Interiores, Calle y Crimen— en las que el pintor analizaba, de forma trágica y tenebrosa, la compleja relación existencial del ser humano con su entorno doméstico y espacial.

  • Nicolas Ortigosa

    Primera gran exposición individual del artista riojano Nicolás Ortigosa (Logroño, 1982) formado en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona. Su propuesta estaba formada por un conjunto de grandes murales elaborados con las técnicas del dibujo y la pintura, en una obra eminentemente gestual y de gran tenacidad plástica.

  • Arranz-Bravo. El enigma de la luz

    La exposición El enigma de la luz mostró una de las últimas instalaciones creadas por Eduard Arranz-Bravo durante el año 2011. En una creación que aglutinaba pintura, escultura y grabado, el artista proponía una sutil intervención plástica sobre uno de los temas centrales de la historia de la pintura: la representación de la luz y su vinculación con la forma, el espacio y el color.

  • Premio Nacional de Pintura Honda 1999-2010

    La exposición reunió las obras ganadoras de las doce ediciones de los premios Honda, uno de los certámenes de pintura más importantes de Cataluña de las dos décadas precedentes. El galardón, basado en una convocatoria abierta dirigida a pintores del panorama artístico español, ha alcanzado en sus doce ediciones un alto nivel de participación, con más de 1.650 artistas y 2.797 obras. Entre los galardonados, participaron en la exposición los artistas Jordi Isern, Pep Montoya, Ruth Morán o Jordi Martoranno.

  • Diego Tampanelli. Estado de fuga

    Diego Tampanelli (Sunchales, Santa Fe, Argentina, 1970) vive y trabaja en L’Hospitalet desde el año 2004, donde forma parte del colectivo TPK-Art y Pensament Contemporani. Tampanelli es un creador multidisciplinar que trabaja indistintamente con imagen, pintura, vídeo o la acción performática a fin de reflexionar sobre las ideas de recuerdo y de nostalgia en relación con su tierra natal. La exposición en la Fundación, la más importante de su carrera, se complementó con el seminario “La fuga de la imagen” impartido por el colectivo de pensamiento y política del siglo xxi Gep21.

  • Arranz-Bravo. Autorretratos

    Exposición dedicada a los más de cincuenta autorretratos que Arranz-Bravo ha realizado en el curso de su trayectoria artística. Arranz-Bravo ha cultivado una vinculación profunda y obsesiva con este género y se ha convertido en uno de los artistas peninsulares más comprometidos con la tradición del autorretrato existencial europeo. Al igual que Durero, Rembrandt, Van Gogh, Artaud o Francis Bacon, el artista barcelonés entiende el autorretrato como un medio de exploración introspectiva y al mismo tiempo como un medio donde insistir en algunos de sus principales intereses plásticos, como la intensidad de la mirada, la expresividad orgánica o la efusión cromática.

  • Hospitalitart

    Hospitalart fue un proyecto comisariado por el crítico de arte Luis Casado en el que se presentó la obra de cinco jóvenes creadores vinculados a L’Hospitalet de Llobregat: Diego Tampanelli, Lusesita, Hanamaro Chaqui, Sergio Mora e Ismael Florenciano. Con este gesto, la fundación quiso comprometerse con los valores de hospitalidad y acogida que han caracterizado históricamente a la ciudad de L’Hospitalet.

  • Martí Cormand

    Martí Cormand (Barcelona, 1970) inventa un mundo abstracto oculto que se hace visible en la representación. Dicho mundo infiltra y desintegra la versión realista del mundo. Su obra contiene cualidades de transparencia, densidad, luz, sombras y precisión extrema, a la manera de la Escuela Holandesa. Unas cualidades que se fusionan con referencias a las tecnologías digitales de la reproducción de imágenes. Se crea un mundo donde lo artificial se infiltra en lo natural.

  • Miquel Gelabert. Landscapes

    Formado en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona, Miquel Gelabert (Blanes, 1979) es uno de los pintores emergentes catalanes que mejor han sabido captar la transición hacia la pintura de paisaje contemporánea. En su obra, Gelabert recupera y renueva unas actitudes en profunda crisis: el dominio de la técnica; el elogio de la trascendencia, la poética, la magia, el misterio y la reivindicación, por último, de una tradición de la pintura moderna a caballo entre la abstracción y el paisajismo poético.